¡Felices fiestas!

Espero que paseis unas felices fiestas y ¡que danceis más que nunca! ^___^




(http://tribes.tribe.net/bellydanceireland/photos/fcdf2eb1-e759-4d05-98e8-b76c5e5e2177)

Tribal

El próximo 26 de Diciembre a las 21:00 h tendrá lugar en la sala Tribueñe (http://www.salatribuene.com/) el espectáculo TRIBAL de parte de la compañía de danza Saada Tribal Group (http://www.centrosaada.com/). En él habrá representaciones tribales (American Tribal Style) y de tribal fusión (Ritual Tribal).

Venta de entradas :Centro Saada - 91 474 42 45 Sala Tribueñe - 91 242 77 27

Ansuya

Ansuya es una de las mejores bailarinas orientales del momento la cual forma parte del grupo Bellydance Susperstar. Ella ha nombrado a su estilo "Cabaribalusion" para reflejar su carácter ecléctico. Combina técnicas de Cabaret, tribal y fusión (incluidas las indios, españolas, africanas, gitanas, egipcias y Modernas) con sus propias innovaciones para crear un impresionante y amplio vocabulario.

Ansuya cuenta con 25 años de experiencia ya que empezó a tomar clases de baile a la temprana edad de 4 años. Por entonces tomaba dos horas de clases a la semana, una de técnica y otra de improvisación. Las clases se las daba su madre, Jenaeni Rathor, una renombrada bailarina oriental de los años sesenta y setenta. Janaeni formó parte parte de de una compañía de danzas de oriente medio y bailó durante 30 años.

Ansuya es originaria de un pequeño pueblo llamado Ojai, en California, apodado Shangri-la por Hollywood por ser un pintoresco valle perfecto para filmar los lugares de las películas. Su madre, Janaeni es de origen estadounidense y su padre de origen indio, de ahí su exotismo.

Ha participado en televisión, videos musicales y comerciales como bailarina y como actriz además de trabajar como modelo. Ha realizado vídeos instruccinales y trabajado como profesora de danza oriental.

Formó parte de la compañía de danza "Yaleil", que significa “la noche” en árabe, de la cual ahora es la directora. Yaleil fue nominada como la Mejor compañía de danza por la Academia Internacional de Danza de Medio Oriente. La misma Ansuya ha sido elegida mejor bailarina de cabaret del año 2001 y recibió el premio Golden Belly a la mejor bailarina de cabaret en 2003, 2005 y 2007.

Como bailarina tenía contratos en famosos clubes de Los Angeles y de Hollywood. Además tuvo innumerables actuaciones en fiestas privadas, bodas y eventos especiales incluyendo apariciones de ultramar en Japón, la India y Egipto.

Posteriormente Ansuya fue nombrada Bellydance Superstar, compañía en la cual forma parte actualmente. Además actúa en solitario en numerosos eventos y realiza talleres y seminarios por todo el mundo.

Definitivamente Ansuya es una de las mejores artistas con un estilo característico lleno de sensualidad y fuerza, dulzura y carácter. Es ágil y graciosa, destacada principalmente en la danza con crótalos y trabajo de suelo. Es todo un placer verla bailar.

http://www.ansuya.com/

Noche de Danzas Indias

Este miércoles 26 de Novimiembre a las 21:30h las artistas Uma Lasya y Chandrika Chinoy nos ofrecerán una noche mágica con danzas clásicas de la India (Kathak y Bharata Natyam) y Bollywood en Artebar La Latina (C/ San Bruno, 3. Tel: 605 84 67, enrada: 8 €).

Al final de la actuación ofrecerán un mini-taller de Bollywood para todos los asistentes que quieran participar.

Belly up!

El sábado 22 de noviembre, a partir de las 22.30 tendrá lugar en la Sala Taboo de Madrid (metro Tribunal) una fiesta organizada por Aprende Danza Oriental. En ella, Irene, Nuria, Nadia y Morgana (fotografía de arriba) harán una pequeña actuación. Además, Dj Dady amenizará la velada pinchando los mejores temas de música árabe del momento y percusión en directo. La entrada cuesta 10 € (sin consumición) y se venden en http://www.aprendedanzaoriental.com/, Ticketing o la escuela Nieblas de Avalon.

El candelabro

La danza del candelabro o Raks Shamadan es una danza antigua de Egipto donde la bailarina danza portando un candelabro en la cabeza.

La luz de las velas siempre se relacionó con lo sagrado, es útil para iluminar la oscuridad y ha sido usado desde antiguo como metáfora para iluminar el espírtu y como protección frente a los demonios y espectros. Los orígenes de esta danza no están claros aunque probablemente provenga de los antiguos ritos que se llevaban a cabo en los templos de la etapa Faraónica.

Además esta danza está relacionada con las danzas turcas de velas. En estas danzas se portan velas sobre las manos o bien se baila con una bandeja en la cabeza la cual porta las velas.

Aunque actualmente los candelabros de

danza tienen en la base

una forma redondeada para ajustarse bien en la cabeza, originalme

nte el candelabro no tenía ningún armazón para ajustarlo (vídeo de abajo)y las bailarinas del pasado practicaban durante años para perfeccionar esta técnica.

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Lo clásico es bailar esta danza con vestido largo de folclore ( vídeo de abajo) aunque actualmente también se baila con el traje típico dos piezas de danza oriental (fotografía de la derecha).

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Hoy en día existen numerosos candelabros preparados para la danza existiendo gran variedad tanto en tamaño como em forma.

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La danza del candelabro se baila en las bodas en la"Zeffah al arusha" (procesión árabe nupcial) conservándose el sentido de la iluminación mística para la pareja. su ritmo principal es el "zaffa", ritmo árabe de 4/4 y puede ser acompañado de crótalos. En el pasado era una procesión que recorría las calles para acompañar a la novia a su nueva casa. La luz del candelabro iluminaba el camino por las oscuras calles cuando aun no había elictricidad, y las velas servían de anuncio de que se celebraba una boda. Actualmente es habitual que la "Zeffah al arusah" tenga lugar en un hotel donde se realiza el banquete nupcial.

El Raks Shamadan entró en los escenarios egipcios en la década de los años 20 de manera eventual. No se sabe a ciencia cierta quien fue la primera bailarina en danzar con candelabro en los escenarios egipcios aunque la más considerada es Badia Masabni.

El candelabro ofrece mucho dranmatismo a la actiuación por lo que además de ser usado de la manera tradicional ha sido utilizado recientemente por la vertiente gótica de la danza oriental (vídeos de abajo, primer vídeo en el minuto 0:26 observamos el candelabro en esta vertiente y en el segundo lo observamos en Morgana, una de las mayores representantes en España de gothic bellydance).

Festival Benéfico de Danza Oriental

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El próximo viernes 10 DE Octubre a las 20:00 se va a celebrar un Festival de Danza Oriental en el teatro García Lorca de Getafe (al lado de la estación de metro y renfe Getafe cetral,). El festival va a cargo de Esther Vindel (fotografía de la izquierda) y sus alumnas (fotografía de abajo). Nos acercarán a la diversidad, colorido, fantasia y belleza de las danzas orientales.

El donativo para todos aquellos que quieran asistir es de 6 euros y las entradas se podrán adquirir en el centro cívico Juan de la Cierva (metro Juan de la cierva), los martes y jueves, de 18.00 a 20.00 horas, y el mismo día del festival. El objetivo de este festival es recaudar fondos para la ASOCIACIÓN DE FIBROMIALGIA Y FATIGA CRÓNICA DE GETAFE, que se formó el año pasado para hacer fuerza frente a Organismos y divulgar todo acerca de esta enfermedad, y poco a poco se van consiguiendo cosas (local, terapeutas, actividades, grupos de apoyo, charlas...), pero desgraciadamente hacen falta subvenciones y fondos, para poder seguir trabajando en mejorar la calidad de vida de estos enfermos. Las entradas estarán disponibles a partir de la próxima semana, y tienen un precio de 6 euros. Seguramente tambien existan entradas de fila 0, para aquellos que no puedan asistir al espectáculo y quieran aportar un granito de arena. Para la reserva de entradas, podeis contactar conmigo a traves del correo sandracaba@gmail.com

Shiva in Exile

El proyecto de Shiva in Exile como grupo de música étnica oriental gótica se inició en el año 2003 por el antiguo compositor de bandas sonoras de juegos de ordenador Stefan Hertrich (fotografía de la izquierda)(Munich / Alemania). El álbum debut "Ethnic" fue puesto en libertad el mismo año por el sello canadiense Trostlos Records. En 2004, el álbum ganó el Just Plain Folks Music Award en la categoría "Best New Age / World Album 2004".

Este álbum contiene las canciones:

1. Odysseia (3:52) 2. Breathing (4:44)3. Dragon Dance (2:57)4. Nightheat (5:06)5. Floating (3:54)6. Manju (3:58)7. Shaman Fever (3:20)8. Oriental Distortion (3:40)9. Hollow Earth (4:48)10. Nomad (3:10)11. Ethnosphere (3:41)12. Aldebaran (3:45)13. Akasha (3:43)14. Myingmar (11:17)

Cinco años después es preparado el segundo álbum, "Nour" (la palabra árabe para "luz") que salió a la luz recientemente. "Nour" es una innovadora mezcla de gótico moderno, electro, banda sonora y étnicas y elementos orientales (decenas de cuerda, de madera y de instrumentos de percusión el Cercano Oriente, África y América nativa). En combinación con la única y original voz de Yana Veva (San Petersburgo / Rusia), este álbum se convierte en muy enérgico y místico, pero aún cálido y sensible, invitando al oyente a una experiencia espiritual edificante.
Este último disco cuenta con las canciones:

1. Viva la Revolución (6:24)2 Anubis (4:47)3. Ha'nadi (5:43)4. Sah'de (6:59)5. Desert of Yunus (4:49)6. Sazenu (5:00)7. Khundas (4:58)8. He'neya (4:10)9. Blue Healing (7:45)10. Semazen (4:38)11. Belt of Fate (3:53)12. We're All One (6:13)13. Bullet feat. Hanin Hannouch (4:24)

Además, Stefan Hertrich lleva otros proyectos como el grupo Spiritual de etno-metal, Darkseed,Betray my Secrets y Sculpture.

La página web del grupo es: http://www.shiva-in-exile.de/ . Podeis escuchar unos minutos de las canciones en: http://www.shiva-in-exile.de/biography.php)

A mi personalmente me encantan, poseo sus dos discos y son espectaculares con lo cual invito a todo el mundo a disfrutar con su música.

Historia del Tribal Fusion Bellydance

El tribal fusion bellydance o fusión tribal es un estilo reciente de tribal bellydance que surge en los años 90. A pesar de las fusiones contenidas en el ATS, surgen otras fusiones que dan un gran giro al movimiento de la danza del vientre. El tribal fusion, mezcla danzas étnicas como el flamenco o danzas indias con otras más modernas como el Jazz, hip hop y Breakdance. La música no deja sus tintes orientales pero es mezclada con música experimental y electrónica. Aunque fusionado, la base de este estilo es el ATS, de ahí su nombre, Tribal Fusion Bellydance.

Podríamos decir que el tribal fusion fue creado a finales de los 90 por Jill Parker (fotografía de la derecha). Jim formó parte del grupo de ATS Fat Chance Bellydance durante ocho años hasta que en los 90 fundó su propia compañía de danza, Ultra Gipsy (vídeo de abajo), enfocada hacia un estilo de danza tribal más complejo y expresivo que el ATS. Introdujo nuevos movimientos tomando elementos de otras danzas y modificó el vestuario, eliminando el turbante y el choli, haciéndolo menos recargado. La música tuvo entonces un rango más amplio, desde tradicional hasta moderna. El nuevo estilo produjo un gran impacto en los bailarines de este estilo y abrió las puertas a una nueva forma de tribal, el tribal fusion bellydance. Este primer tribal fusion bellydance aún tiene poca fusión, es muy tribal en sus movimientos y coreografías en grupo.

Una de las artistas que más ha contribuido a este estilo es Rachel Brice (fotografía de la izquierda y vídeo de apertura), primera solista de Tribal Fusion. Rachel popularizó este estilo alrededor del mundo, por su técnica, sus aislamientos, control muscular y complejidad en los movimientos.

Rachel Brice después de tomar clases de danza oriental y yoga, toma clases de tribal con Carolena Nericcio y tribal fusion con Jill Parker y durante un tiempo Rachel fue miembro de la compañía de baile Ultra Gipsy. En 2003 junto a Janice Solimedo forma la compañía de tribal fusion The Indigo.

Actualmente Rachel Brice actúa como solista y en las compañías The Indigo y Bellydance Superstars. Ella da un paso más en el tribal fusion utilizando música electrónica y movimientos de yoga en sus actuaciones.

Otras bailarinas destacables en el tribal fusión belydance son Zoe Jakes ( primer vídeo de abajo y fotografía de cierre), Sharon Kihara , Mardi love y Sherri (segundo vídeo de abajo).

A partir de este tribal fusion bellydance empezaron a surgir nuevas fusiones, así dentro del tribal fusion se pueden diferenciar diferentes vertientes o performance aunque muchas veces es difícil encuadrar a bailarinas de tribal fusion en algunas de las categorías ya que cada una tiene su estilo propio. Aún así cabe diferenciar entre los estilos más definidos dentro del tribal fusion el ghotic bellydance y el urban tribal.

Estas últimas vertientes prácticamente pueden ser consideradas un nuevo estilo de bellydance por la gran influencia y bailarinas dedicadas.

De esta manera, en el bellydance cada vez hay más influencias y estilos, fusiones y performances haciendo cada estilo único y original lo que hace enriquecer esta danza con nuevas formas de expresión.

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Historia del Bharata Natyam

El Bharata Natyam o Bharatanatyam es una danza india, concretamente del Sur de la India (La India, fotografía de la derecha) que, desde tiempo inmemorial, ha sido una práctica religiosa considerada el modo de culto más agradable a los dioses. Sus principios fueron descritos por el sabio Bharata Muni en su texto Natya Sastra, que se remonta al siglo II antes de Cristo. Sin embargo la existencia de una escultura de bronce, de una joven en una posición de Bharata Natyam, es el indicio mas antiguo de su existencia, perteneciente a una civilización de hace unos 5000 años de antigüedad. Este arte y sus tradiciones fueron desarrolladas en los entornos sagrados de los grandes templos del Sur de la India por las bailarinas llamadas Devadasis.

Con el paso del tiempo, esta tradición se fue perdiendo hasta que, a principios del siglo XX, una dama india llamada Rukmini Devi ((fotografía de la izquierda) recuperó la tradición y volvió a elevarla a su categoría de Arte Sagrado creando la escuela de Kalakshetra en Chennai (antiguo Madrás). Es una danza solista que presenta mucha dificultad técnica y por tanto debe en general ser estudiada desde temprana edad.

En la palabra Bharata Natyam, Bharata ha sido derivada de la unión de las palabras Bha: que se refiere a Bhava o emoción Ra: que se refiere a Raga o melodía Ta: que se refiere a Tala o Tiempo. Natyam :quiere decir danza - drama.

Esta danza es una tradición inmersa en el Hinduismo, religión que posee un enorme panteón de dioses, en realidad, numerosas representaciones de un solo dios. Cada una de ellas tiene asociada un animal característico que comúnmente le acompaña además de una consorte con ciertos atributos y capacidades.

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El Barhata Natyam puede aparecer de dos formas: Nritta y Nritya.

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Nritta o danza pura, es aquella en la que no se expresan ni sentimientos ni emociones, y su belleza se halla en la perfecta ejecución de las combinaciones de pasos o adavus.

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Nritya o mezcla de Nritta con Abhinaya, es aquella en la que mediante los gestos de manos o mudras y la expresión de la cara y todo el cuerpo, la bailarina puede narrar una historia en la que encarna a uno o varios personajes. Generalmente, las piezas que contienen Abhinaya son una alabanza a los dioses, y el bailarín es un instrumento, a través del cual, esta alabanza toma forma externa.

La danza incluye por lo general siete partes típicas:
Ganapati Vandana, obertura dedicada al dios Ganesha, que elimina los obstáculos.

Alarippu, representación rítmica ("tala"), con series de sílabas cantadas por el intérprete. Consiste en la segunda parte de la introducción, donde se pide la bendición del espectáculo, y los movimientos cada vez más complejos simbolizan el florecimiento del arte mediante la figura de una flor que se vá abriendo.

Jatiswaram, danza abstracta de ritmo marcado por el tambor.

Shabdam, danza acompañada por un poema o una canción sobre un tema devocional o amoroso. Constituye la primera sección narrativa del espectáculo.

Varnam, es la pieza central de la obra, y -al mismo tiempo- la más extensa. Muestra movimientos de pies cada vez mas complejos y difíciles. Las figuras que se representan mediante manos y cuerpo cuentan una historia, a menudo de amor y de deseo.

Padam, sección lírica donde el intérprete expresa varias formas de adoración: al ser supremo, el amor maternal, el amor de los amantes separados y luego reunidos.

Tillana, danza abstracta con importante exhibición de virtuosismo en la técnica de baile.

Luego de esta última sección de danza, el espectáculo termina con el recitado de versos religiosos a manera de bendición final.

Esta danza tiene múltiples beneficios: Equilibra integra y desarrolla el balance de los hemisferios del cuerpo (intuitivo y lógico), desarrolla la conciencia corporal y del Espacio, desarrolla la acción y percepción musical en el tiempo y el ritmo, trabaja la expresión a través del desarrollo de las emociones, tonifica músculos y cuerpo en general, crea una conciencia del presente a través de la meditación en movimiento, estimula el sistema nervioso, desarrolla la capacidad cerebral y estimula los reflejo, y estimula los canales energéticos del cuerpo a través de los mudras (gestos reflexologicos con las manos).

El velo

El velo es una pieza de tela, preferentemente de seda, aunque también los hay de gasa, rectangular o semicircular, el cual se usa en danza oriental. Es uno de los elementos de danza oriental más usados en occidente, sobretodo por principiantes dado su fácil uso y la gran belleza que da al baile.

Se puede usar durante toda la pieza musical que vamos a bailar, o desprendernos de él en cierto momento y posteriormente volver o no a recuperarlo para finalizar la danza con él.

Se pueden usar uno o varios velos. Lo más común es usar un velo (vídeo de arriba), el cual suele ser rectangular y se sujeta con las dos manos aunque en ocasines puede ser sujetado sólo con una. También es común utilizar dos velos (doble velo). Pueden ser dos superpuestos para dar más colorido o dos semicrculares, de manera que cada uno sería sujeto con una mano diferente (dos primeros vídeos de abajo). En ocasiones pueden ser cuatro, dos en cada mano (tercer vídeo de abajo).

Para colocar el velo correctamente, tienes que colocártelo detrás de tu cuerpo, sujetarlo con las manos, cada mano a un lado, y , teniendo el velo sujeto en la espalda, estirar los brazos lo máximo que puedas. En cuanto a la posición de las manos, hay varias maneras aunque la más utilizada es la llamada “tijera”. De esta manera el dedo pulgar queda por fuera y el velo rodea el dedo índice, sujetándose el velo por el dedo corazón (intentaré poner una foto para que se entienda mejor).

Las medidas suelen ser estándar aunque a veces hay variaciones En el caso de los rectangulares, de largo miden algo menos de 2 m (1,70m aprox.) y de ancho algo más de 1m (1,10m aprox.). Los semicirculares suelen ser de menores dimensiones.

Existen diferentes figuras y movimientos para hacer con el velo, en este víde te explican algunos movimientos aunque tú misma puedes ir provando distintos movimientos de brazos hasta dar con algún movimiento que te resulte bonito.

Históricamente existen dos danzas en Oriente Medio en las cuales se utilizan “velos”: las danzas de Azerbaijan y las danza de pañuelos del Norte de África.

En Las danzas de Azerbaijan (área del Caucaso) las mujeres bailaban con velos, bufandas y pañuelos para acentuar su belleza y femeneidad. Durante la danzas, delicadamente mostraban sus ojos, su rostro, sus vestidos y joyas.

La danza de pañuelos del Norte de África se bailaba con dos pañuelos y era una danza bailada por una mujer comprometida. Uno de los pañuelos la simbolizaba a ella, y el otro simbolizaba al hombre que sería electo. La bailarina juega con los pañuelos, pondiénolos en el suelo, danzando sobre ellos, entre ellos, etc.

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Sin embargo, después de los imperios romano y griego, no existe evidencia histórica en arte y literaura que refleje la práctica de alguna danza con velos en el Medio Oriente o en el Norte de África.

A finales del siglo XIX y a principios del XX hubo numerosos fotógrafos que retrataron a mujeres bailando con lo que parecen pañoletas y fulares aunque muchas de estas fotografías eran poses que tenían más de la imaginación del fotógrafo que de documentos históricos.

La utilización del velo en la danza oriental tal y como se conoce en la actualidad es introducido por la bailarina Samia Gamal (fotografía de la derecha) a finales de los años 40 enseñada por la bailarina rusa Ivanova. Ésta fue contratada por el rey Faruk de Egipto para dar clases de ballet a sus hijas. Posteriormente enseñó a Samia Gamal y a otras famosas como las gemelas Jamal y Tahia Carioca cómo llevar el velo para la entrada de su show y también a mejorar el uso de sus brazos. Ivanova adoptó esta práctica de las danzas caucasianas del Azerbaiján. Samia Gamal hizo popular la danza del velo en los teatros egipcios y en los EEUU para la película "Alí Babá y los cuarenta Ladrones" que fue exportada a otros países. Y así es como las bailarinas de danza Oriental introdujeron el trabajo con velo en su repertorio.

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La danza del velo es más propio de Occidente que de Oriente. De hecho en Oriente Medio no lo entienden mucho, para ellos es una especie de Streapteasse, especialmente cuando la bailarina lleva el velo puesto y luego se lo saca para maniobrar con él ya que allí las mujeres llevan velos cubriendo sus rostros lo que simboliza religiosidad y modestia. Así, las bailarinas utilizan el velo solo para hacer su entrada, juegan un poco con él y rápidamente lo descartan. En Egipto casi no vemos bailarinas que incluso entren con velo, es mucho más visto en Turquía y el Líbano.

Para la famosa danza de los siete velos existen diversas versiones que intentan explicar su origen.

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Quizás la más conocida sea la historia mitológica de Isthar o Astart, Diosa Babilónica del Amor y de la fertilidad, Tamuz, su amor, había perdido la vida y fue llevado al reino de Hades y para reencontrarlo, Isthar cruzo los sietes portales del submundo, dejando en cada uno de ellos uno de sus velos, revelando de esa manera su verdad, su alma, liberando su espíritu y así pudo volver a juntarse con su amor. A partir de esa historia el velo pasó a simbolizar el alma femenina.

Otra de las versiones que explican el origen de esta danza es la história bíblica que dice que Salomé habría bailado lo que seria la danza de los siete velos para el rey Herodes, marido de su madre, a cambio de la vida de San Juan Bautista, pues ella estaba enamorada del profeta, que no sentía lo mismo por ella, debido a su condición religiosa y evitaba mirarla para no caer en la tentación. Influenciada por su madre, ella hizo caso a su padrastro y bailó para él. Enloquecido y enamorado el rey le dijo que podría pedir lo que quisiera, y otra vez influenciada por la madre, pidió la cabeza de su amor en una bandeja de plata. Horrorizada y arrepentida, Salomé dijo que el profeta por fin le había mirado.

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El velo es un elemento de raks sharki aunque en ocasiones se usa en fusiones tribales.

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Historia del American Tribal Style (ATS, estilo tribal americano o danza tribal)

El American Tribal Style es un estilo moderno de danza oriental el cual intenta recrear las danzas ancestrales que dieron origen a la actual danza del vientre. Lejos de las lentejuelas, el glamour y el coqueteo, el ATS utiliza vestimenta basada sobretodo en los bereberes (Imazighenes) (fotografía de la derecha). Este estilo es fuente de una fusión de danzas de estas tribus como los Ghawazee de Egipto, las Ouled Nail de Argelia y las Imazighen, así como folclore y otras danzas.

El ATS fue desarrollado en San Francisco hace 20 años. Es un estilo moderno de baile creado por la directora de FatChanceBellyDance, Carolena Nericcio (fotografía inferior).

En 1974 Carolena comenzó a bailar con Masha Archer y la San Francisco Dance Troupe. El estilo de Masha era una mezcla ecléctica de Cabaret Egipcio clásico, folclórico y cualquier otra influencia que a ella le había parecido atractiva. Siendo pintora y escultora, Masha enseñó a sus bailarinas a crear arte a través del baile. En 1987, después de que la SF Classic Dance Troupe se disolviera, Carolena empezó a dar clases en un pequeño estudio en el Noe Valley Ministry sin ningún objetivo en mente salvo para enseñar a bailar a las que podrían ser sus compañeras.

Siendo joven y tatuada, las clases de Carolena llegaron a ser populares entre la gente que llevaba un estilo de vida alternativo. El movimiento Modern Primitives estaba también de camino y los tatuajes y adornos primitivos del cuerpo se ponían de moda. Carolena y sus alumnas actuaban en espéctaculos y convenciones de tatuaje y llegaron a ser bastante conocidas en San Francisco. Cuando surgió la necesidad de un nombre para la compañía de baile un amigo sugirió la jugetona rima: FatChanceBellyDance (fotografía inferior), basada en la tonta respuesta que a menudo las bailarinas obtenían de los espectadores quienes pensaban que la bonita y femenina danza del vientre es simplemente un exótico entretenimiento para su placer personal. En otras palabras "Fat chance you can have a private show." (trad. "No hay ninguna posibilidad de que te haga un pase privado").

Mientras que lo tradicional en el raks sharki es bailar en solitario, en el ATS lo principal es el grupo, la "tribu", esa unión de mujeres a través de la danza. Al igual que el raks sharki el baile es improvisado por lo que hay una serie de señales a través de las cuales las bailarinas pueden improvisar en grupo. Así, existe una líder la cual marca los pasos y las demás los siguen. Hay una posición para cada bailarina, según sean dúos, tríos o cuartetos y la líder puede cambiar durante la danza al rotar las posiciones.

En una danza étnica, mística y ritual, la cual procede de una cultura muy arraigada a su tierra. Es esta la razón de que el baile sea interior y sentido, lejos de espectáculo. Su verdadera razón es la conexión entre las personas, dejando que el modo de expresarse de una se mimetice con las demás, adquiriendo la misma forma de baile.

Samia Gamal

Samia Gamal es una bailarina oriental de los años 50 la cual fue una de las grandes estrellas del momento junto a Tahia Carioca, su gran rival. Con ella la danza oriental llegó a Hollywood.

Su verdadero nombre era Zaynab Ibrahim Mahfud. Nació en Wana, un pequeño pueblo egipcio en 1.924 aunque se crió en El Cairo, junto al Bazar Khan El Khalili junto a sus padres.

Samia era chica del coro del casino Ópera de El Cairo pero consiguió bailar en solitario brillando con su estilo vivaz. Introdujo muchas novedades en la danza oriental como la utilización del velo.

Tuvo un romance con el compositor y cantante Farid Al Atrache (fotografía de la izquierda). Ésta lo motivo para arriesgar todo su capital económico para producir y protagonizar en 1947 una película junto con ella la que se convirtió en un éxito rotundo. Después de cinco películas mas juntos esta relación finaliza.

En 1949 el rey Faruk la nombró "Bailarina Nacional de Egipto".

Se casó con el millonario Sheppard King, pero al poco tiempo volvió al Cairo para trabajar con Farid, su anterior amor. Después se casó con el actor Rushdi Abaza, con quien tuvo a su hija Quismet, pero también se separó.

En 1972 se retiró, con 60 años, pero volvió a bailar a los 70 años, casi hasta el final de su vida. Murió el 1 de diciembre de 1994 en su tierra, El Cairo.


Películas de Samia Gamal:
Ali Baba wa al arbain harame... (1942)
Gawhara (1942)
Russassa fil kalb... (1944)
Bani adam, al-... (1945)
Taxi hantur... (1945)
Afrita hanem... (1947)
Ahdab, El... (1947)
Ersane talata, El... (1947)
Habib al omr... (1947)
Mughamer, El... (1948)
Sahibat el amara... (1948)
Agaza fel gahannam... (1949)
Bahebbak inta... (1949)
Bint haz... (1949)
Sparviero del Nilo, Lo (1949)
Ahmar shafayef... (1950)
Akher kedba... (1950)
Sakr, El... (1950)
Nuit des étoiles, La (1950) (la noche de las estrellas)
Amir el antikam... (1951)
Taa la salim... (1951)
Ma takulshi la hada... (1952)
Ketar el lail...(1953)
Ali Baba et les quarante voleurs...(1954) (Alí Babá y los cuarenta ladrones)
Valley of the Kings' (1954) (el Valle de los Reyes)
Nachala hanem...(1954)
Raqsat al-wadah...(1954)
Wahsh, El... (1954)
Masque de Toutankhamon, Le... (1955) (la máscara de Tutankamón)
Sigarah wa kas... (1955)
Amanti del deserto, Gli... (1956) (los amantes del desierto)
Gharam al-miliunayr (1957)
Kull daqqa fi qalbi... (1959)
Maweed maa maghoul... (1959)
Nagham el hazine, El... (1960)
Rajul el thani, El...(1960)
Tarik al shaitan... (1963)
The Stars of Egypt: Volume 3: Samia Gamal, Part I (19??)
The Stars of Egypt: Volume 3: Samia Gamal, Part II (19??)
Samia Forever (documental, 2003)
Fabulous Samia Gamal, The, (documental, 2003)

Historia de la danza oriental (danza del vientre o belly dance)

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La danza oriental ( رقص شرقي"raqs sharqi" en árabe) es una de las más antiguas del mundo. Existen testimonios escritos de descripciones de bailes de Oriente Medio que datan de más de 500 años atrás y que parecen detallar los mismos pasos. Sin embargo podemos ir mucho más atrás en el tiempo, en figuras humanas de templos, estatuillas y restos de cerámica de más de 6000 años de antigüedad se observan arcos, infinitos y espirales dibujados en el torso y extremidades, movimientos básicos de la danza oriental.

La primera prueba clara data de finales del siglo XIX. Se trata de un cortometraje titulado "Fatima's cochee-cochee dance" en el cual una joven árabe baila de manera inmensamente parecida a como se hace en la actualidad.

El origen de esta danza, dada su antigüedad, es bastante incierto. Aún así se pueden barajar varias teorías.

A mi modo de ver lo más verosímil es que la actual danza sea fruto de la fusión de distintas danzas del Norte de África, Oriente Medio y Egipto (fotografía inferior), además de la fusión con danzas gitanas de pueblos hindúes dadas sus migraciones. En estos lugares de procedencia hay quien afirma que procede de un baile de tipo religioso que practicaban antiguamente las sacerdotisas de los templos o que formaba parte de las prácticas tradicionales de alumbramiento en la/s región/es de origen.

Sea como fuere seguramente esta danza en sus orígenes más remotos fuera una danza de mujeres de tribus matriarcales en honor a la diosa madre, a la tierra que ofrece nuevos seres vivos, y a la mujer como portadora de la fertilidad y la posibilidad de dar a luz . Siendo así son posibles ambas teorías anteriormente comentadas. Es posible que algunos pueblos hicieran de esa danza una forma de adoramiento a dioses (como antiguamente se hacía a la diosa madre) y que otros pueblos lo practicaran como ritual al alumbramiento (ya que esa danza representaba la fertilidad).

Damos un salto enorme hasta el siglo XIX donde se tiene constancia de esta danza. En esta época todo lo relacionado con las danzas de los países árabes creaba una gran curiosidad en occidente. Con las colonizaciones francesas y españolas éstas fueron siendo descubiertas. A finales del siglo XIX los promotores de espectáculos empiezan a crear exposiciones universales.Así comenzaron a mostrarse estas danzas en distintas ferias universales, a menudo atrayendo casi más público que la propia exhibición tecnológica.

Dada la imagen idealizada de la vida del harén por pintores renacentistas, al mostrarse esta danza por primera vez, posiblemente se hiciera la idea de que las mujeres del harén (imagen inferior) bailaban de esa manera sensual para los sultanes aunque no está muy claro ya que hasta aquí ha sido una danza reservada para las mujeres. Es posible que en el harén la practicaran aunque se duda de que lo hicieran delante de hombres y mucho menos para ellos. Hay que tener claro que ha sido siempre una danza de mujeres en pro de la fertilidad, no una danza para los hombres y mucho menos para seducirlos. Sin embargo dada la espectación que causó en los hombres empezó a usarse el coqueteo y las miradas insinuantes por parte de las bailarinas.

Como contaba, en occidente causó muchísima espectación y algunos llegaron a verlo algo indecente ya que llevar el pelo suelto ir sin corsé y enseñar los tobillos era toda una revolución. Sumémosle también los movimientos serpenteantes y golpes de caderas y pechos; era una gran provocación. Hay que decir que en esta época no se enseñaba la tripa, se bailaba toda tapada. El traje típico actual de dos piezas llegaría más adelante, a partir de los años cincuenta.aunque cuando se bailaba sólo en presencia de muejres hay quie afirma que bailaban desnudas.

Los primeros pasos de la danza oriental en EEUU y Europa llega a manos de Sol Bloom, promotor artístico y congresista de EEUU. En 1893 en la Exposición Universal de Chicago se representó una calle del Cairo en la cual una mujer bailaría. En los carteles que lo anunciaban introdujo el término "danza del vientre" lo cual tomó una connotación erótica, y por tanto publicitaria.

La danza del vientre sigue arrasando y en el siglo XX , en 1926, se abrió el primer cabaret, el Casino Ópera en El Cairo. La inauguración de esta sala corresponde al inicio de la edad dorada de la danza oriental, donde algunas bailarinas brillarán con luz propia. Dado el éxito que tuvo empezaron a surgir otros cabarets. La danza oriental se solía bailar en espacios reducidos de manera que surgieron nuevos pasos y desplazamientos al bailarla en un escenario. En esta edad dorada, podemos destacar los años 40 y 50 como los más gloriosos. Tahia Carioca (fotografía inferior) fue una de las más grandes bailarinas del Casino Ópera la cual protagonizó más de 190 películas. Fue en esta época espléndida para la danza oriental cuando se impuso el traje actual de danza compuesto por dos piezas: sujetador o top y falda o bombachos con numerosos adornos de pedrería y brillos inspirados en Hollywood, dada la importancia del glamour de la época. Además muchas de las bailarinas comenzaron a bailar con tacones, cosa que aún sigue vigente en Egipto y El Líbano sobretodo. En occidente es menos habitual ya que solemos bailar descalzas como antiguamente.

Con Samia Gamal el estilo de cabaret clásico pone un pie en Hollywood. A partir de 1960, la danza oriental emprende su gran expansión a EEUU y Europa. Como en el pasado la danza oriental fue mayormente vista como un entretenimiento erótico durante la guerra fría. A partir de 1970 comienzan a crearse una red de bailarinas y empresarios que se dedicaran en serio a la danza oriental como espectáculo digno y comercial hasta nuestros días, donde el despegue en cuanto a espectáculos y escuelas es increíble aunque aún queda trabajo por hacer.